COMUNICADO DE PRENSA

Conferencia “Los Comics Puertorriqueños: Pasado-Presente-Futuro”

PARA PUBLICACIÓN INMEDIATA

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La historia no es una cadena de eventos y fechas narradas por algunos: es un espejo certero—aunque no perfecto—desde donde nos miramos, definimos nuestro presente y planificamos un futuro.  Como parte de los eventos que se llevarán a cabo durante el Puerto Rico Comic Con 2012, el Prof. Luis J. Lacourt ofrecerá la conferencia “Los Comics Puertorriqueños: Pasado, Presente y Futuro”.  El Prof. Lacourt, quien es el administrador de la página www.f3comics.com, presentará de forma resumida y amena lo que hasta el momento es parte de una investigación que intenta recopilar la historia de los comics puertorriqueños, un medio que según el profesor a penas se ha investigado seriamente en nuestro país.

En la conferencia, Lacourt reconocerá brevemente la trayectoria del medio del Cómic en Puerto Rico, con el fin de hacer honor a lo que nuestros artistas han logrado a pesar de las dificultades del medio, y para dejar claro lo que aún falta por hacer.  “Es detenerse, contemplar, aplaudir, proyectar un futuro, del cómic puertorriqueño y seguir andando”, expresó Lacourt.

El recorrido visual se enfocará principalmente en el desarrollo del paquín (comicbook) puertorriqueño desde inicios de siglo XX, aunque no dejará de lado las tirillas que se publicaron en los principales rotativos puertorriqueños, ni los webcomics.  Se hará mención de comics desconocidos hasta el momento y se pondrá en contexto el desarrollo del Paquín a la luz de nuestra tradición artística puertorriqueña y de las influencias que las industrias extranjeras han ejercido sobre el Cómic en el mundo.

La conferencia se llevará a cabo en el Puerto Rico Comic Con 2012 (Centro de Convenciones, San Juan) el sábado 26 de mayo de 2:30pm a 3:30pm.

Contacto:

Prof. Luis Jefté Lacourt

787-299-7798

www.f3comics.com

info@f3comics.com

El pasado sábado 5 de mayo de 2012 se celebró el Día del Cómic Gratuito (Free Comic Book Day) en Metro Comics (San Patricio Plaza, Guaynabo-Puerto Rico) y en Comix Megazone (Arecibo-Puerto Rico).  Desde inicios del os 2000 se ha convertido en una tradición estadounidense el que los detallistas (“retailers”) obsequien una copia gratis de un cómic—de compañías selectas—para atraer nuevos lectores y/o agradecer a los clientes fieles.

Desde entonces, la tradición ha sido adaptada por ciertos países Latinoamericanos como España, Perú y Puerto Rico.  Estuve personalmente durante la actividad en Metro Comics, donde hubo una gran presencia de artistas locales. A continuación lo que pude observar.  Para acceder el álbum de 50 fotos, visite nuestra página en Facebook: Funny Fish Fountain Comics.

Comics impresos y dibujos en vivo

El equipo de Da’MaRojo y Miguel A. Sanjurjo

1. Da’MaRojo

La copia gratuita que repartió este colectivo fue Darkest Alliance: The Rise of Idunn #2, serie en la que convergen todos los personajes de las series de Da’MaRojo. Aún no he podido leer este número pero luce prometedor y cargada de acción.

Además de la edición gratuita, pude conseguir copias de varios títulos publicados por el colectivo, como es el primer número de Ixion (Richely Ortiz y Félix F. Rivera, 2010). De este título podemos destacar la propuesta artística de Félix F. Rivera, que se moviliza dinámicamente con plasticidades muy particulares y fantásticas, y que muestra un uso de color (digital) muy bien atemperado a los escenarios y la oscuridad de la serie. En cambio, el guión, a cargo de Richely Ortiz, no logra presentar el personaje principal de forma eficiente: es más lo que no se dice del personaje que lo que se explica.  De un cómic de 12 páginas, a la octava todavía no se había logrado exponer el conflicto, la función del personaje principal, ni su importancia en la serie.  Por otro lado, es importante mencionar que la rotulación (lettering) del cómic es muy pequeña, dejando mucho espacio negativo en la imagen y exponiendo una limitación visual a la lectura del texto.

A pesar de que el colectivo publica normalmente en idioma inglés, Da’MaRojo mostró tener interés no sólo en el mercado anglosajón—que no es el único que existe al contrario de lo que muchos piensan—sino en el mercado de habla hispana, con la publicación de Lágrimas del Cielo, versión en español de la serie “Tears from Heaven”, el cual plantea un tema religioso enmarcado en un contexto histórico antiguo y contemporáneo: una propuesta que despertó mi interés y estaré pendiente a cómo se desarrolla.

2. Miguel Angel Sanjurjo

Sanjurjo, uno de los artistas detrás de la serie Jíbaro Samurai (2007-   ), estuvo presente firmando copias  de algunos de sus dibujos y haciendo nuevos dibujos para los presentes.  En conversación con el artista, nos reveló que se reimprimirán copias nuevas de la serie del jíbaro y que se publicarán nuevos números para el Puerto Rico Comic con 2012 (26 y 27 de mayo).  Pronto estaremos publicando información sobre esta particular serie.

3.      Soda Pop Comics (Rosa Colón y Carla Rodríguez)

Como de costumbre, Soda Pop Comics hizo su aportación con un título gratuito llamado I’m Talking To You!: Tales of the New England Aquarium! (para versión digital pulse aquí), el cual me dejó con ganas de visitar el dichoso acuario.  Particularmente no me deja de sorprender la sensibilidad con la cual el ojo de estas artistas se posan en situaciones particulares que, aunque no muestran criaturas de otras galaxias tirándose con rayos de energía y explosionando todo a su alrededor, se revelan con mucho humor y establecen enlaces emocionales entre el lector y el contenido.

3. Tom Beland

El estadounidense Tom Beland estuvo participando haciendo dibujos gratuitos espectaculares, conversando con todos los que se dieron cita, y hasta ofreciendo su retroalimentación a jóvenes artistas que les llevaron sus trabajos.  También estuvo promoviendo el taller de comics que ofrecerá en verano (para más información: info@f3comics.com).

4. Martin Gaudier, Tico Jiménez y Tommy González

Tato y Kenepo #27 fue la aportación gratuita de Gaudier, quien es sin duda a alguna uno de los artistas de comics más conocidos en Puerto Rico.  La audiencia infantil es la audiencia más difícil de cautivar, al contrario de lo que se suele pensar, y Gaudier ofrece una narrativa que posee un excelente balance de uso de color (en el caso de este #27 no), expresividad humorística en el lenguaje corporal y facial de los personajes, excelente rotulación (lettering) y uso de globos de diálogos, guión claro y cuyos con contenidos apelan al joven lector de hoy, y un diseño de escenarios adecuado.  Quizás no es casualidad lo que Gaudier ha logrado alcanzar, con Tato el gato y Kenepo el chango.

Los artistas Tico Jiménez (Sharky Tunas) y Tommy González (Manny el Manatí) estuvieron también dando la cara por los comics de corte infantil.  Tico nos habló sobre una publicación en soporte de libro sobre la serie de Sharky Tunas que estaremos pendientes para reseñar.  Lo que sí me estuvo raro y quizás inadecuado es que hayan colocado a estos artistas para el horario de las 4:30pm a las 6:30pm, horas en la que francamente no visualizo a las familias visitando la tienda con sus familias.  Quizás para el año que viene convenga colocarlos más temprano.

5. Arturo Vilmenay

Vilmenay es uno de nuestros artistas veteranos, de la vieja escuela, que con los dibujos que estuvo ofreciendo durante la actividad muestra que aún le queda mucho por contar y publicar.  Esto también lo demuestra con la publicación reciente del cuarto número de Viki Valentino.

6. Franchy Morales

Morales agotó todas las copias de su edición gratuita, la cual se compone de dos historietas de la serie que aún publica en el periódico El Nuevo Día, El Isleño.

Me sorprendió ver Isleño: Bocetos y Conceptuales, publicación de 12 páginas donde muestra el proceso creativo de la serie ya mencionada.  Esta edición me pareció importante ya que es diferente y educativa: opera como un manual sencillo para aprender a dibujar caricaturas, y sobre todo, conocer el proceso creativo del autor.  Al final aparece un espacio donde Morales dibujó un boceto original a los espectadores que se dieron cita.  Aproveché también la ocasión para comprar el nuevo número de la serie Isleño, que publica las tirillas de la 9 a la 14.

7. Amin Amat

Amat, quien participó de la famosa publicación sobre la muerte de Osama Bin Laden, estuvo obsequiando tremendos dibujos a lápiz a todos aquellos que se lo pidieran.

8. Días (Rosaura Rodríguez y Omar Banuchi)

Los artistas detrás de la serie autobiográfica Días ofrecieron su propia edición gratuita, la cual presenta algunas de las mejores historias publicadas en la serie e incluye una exclusiva para este número.  También vendieron el número más reciente de esta serie (#11) y su versión traducida al inglés.

Apuesta a los soportes digitales

Este año hubo un aumento de estudios y artistas que decidierion publicar sus ediciones Free Comic Book Day 2012 en soporte digital.  Este fue el caso de DG Comics (Juan Lapaix) y su Demonio One-shot  Special (Lapaix, Franco, Cassidy), X-Pin Off y su Lonely Hero & Renegade Kid #2, y Voodoo Ink Mach 2 : Free Comic Book Day 2012 Edition (Kids Gone Wrong Studios; J.H. Vazz, Víctor Rosario-Fermaint, Ibaiko y José Hernández).

Cabe destacar el progreso que ha tenido la serie de X-Pin Off para con su arte y la propuesta espectacularmente colorida de Voodoo Ink Mach 2, lo cual es poco usual en sus publicaciones.

Adicional a las publicaciones de nuestros artistas conocidos, surgió un joven artista que nos hizo entrega de un documento que presenta su primera publicación, Gardy El Guardián, creado por Humberto García Franco bajo el “sello” Black Fox Comics.  Esperamos ver más de este artista.

Dependiendo de la receptividad del público y del presupuesto para el año que viene, es posible que cada vez más veamos a nuestros artistas locales apostar más por el soporte digital.  En Puerto Rico ya contamos con artistas que han trabajado desde lo digital, como es el caso de Novus Genesis Hype (Rigs Jiménez) y The World According to Geek (Ricardo Santiago Crespo, Pedro Valle Javier, Germán Ferrer Ivonnet).

Reencuentros

Este Free Comic Book Day 2012 fue especial también ya que la agenda incluyó el regreso de Uty Studios (Yanelis y Joyce Barros), David Martínez (Changay, Doverman) y Martín Gaudier (Tato y Kenepo, Sato Perro Policía) al ambiente de actividades relacionadas a los comics locales.  De Uty Studios podemos recordar títulos como All in Love y Paranoid: How is the world now?, propuestas de manga puertorriqueño.  De David Martínez podemos recordar su aportación a la serie Changay (luego cambiado a Changuy), una serie paródica sobre un chango (pájaro) justiciero.

A manera de conclusión

A diferencia del año pasado no me planteé si el Free Comic Book Day está o no está cumpliendo con su propósito inicial desde inicios de 2000, el cual busca hacer nuevos lectores de comics. Me parece que este tipo de actividad, la cual nace y se hace desde las tiendas de comics (los “retailers”), deben operar bajo las criterios que cada tienda plantee.

Bien es cierto que necesitamos en Puerto Rico que hayan más lectores de comics—en especial, invitar a los lectores de literatura a que exploren este medio desde o fuera de Puerto Rico—, pero también en cierto que hubo una justa representación de la escena local como la que se propuso para ese año.  Me parece que Cristina Morán, presidenta de Metro Comics, hizo su aportación (como de costumbre) en exponer cada vez más y mejor nuestros artistas locales.  Bien es cierto que siempre se puede mejorar, pero este año vi una comunión y un compartir sano y en hermandad entre nuestros artistas, lo cual me parece debe ser SIEMPRE la actitud.  Por otro lado, yo personalmente hice lo que pude para que la gente que pasaban por los pasillos del centro comercial se detuviera en las mesas y se animaran a conocer a los artistas locales. A mi entender, fueron varios los que conocieron por primera vez que aquí se hacen comics.

Esperamos el año que viene poder asistir a Comix Megazone, tienda que también celebró el evento.

**************Artículos relacionados

Free ComicBook Day 2011: http://www.f3comics.com/?p=767

Naoki Yamamoto, autor de famosos manga orientados para adultos como Dance Till Tomorrow (1989/1999), Arigato (1994) y Believers (1999), hizo un cómic donde protagoniza nada más y nada menos que un pingüino escritor que crea una base de fanáticas amplia, se termina enamorando de una de ellas, y al final el matrimonio no funciona (porque es un pingüino).

Yamamoto, en una entrevista que le hicieran en la revista Pulp (abril de 2002), explicó que basó el curioso personaje en un escritor real, un poeta de la Era Meiji que le pasó exactamente lo mismo, sólo que no pudo hacer funcionar su matrimonio porque era físicamente inválido. Aquí les dejo el fragmento original de la entrevista:

Pulp Magazine: You’ve also depicted the life of a penguin writer and his wife in the manga short story “Fancy”.  The penguin’s writing was popular among women readers, and the penguin marries one of his fans.  Eventually, the marriage doesn’t work out because the writer is a penguin.

N. Yamamoto: Actually, that’s based on a true story.  During the Meiji era [1868-1912] there was this poet who wrote really lyrical and beautiful poetry, and he had a huge shojo following.  He was physically handicapped, but he married one of his fans who fell in love with his poetry.  His marriage didn’t work out. I just changed the author to a penguin.

Cosas de manga compañerxs, cosas de manga.

La serie por la cual es más conocido el artista.

Fuente:

“Interview with Naoki Yamamoto” en Pulp: The Manga Magazine. (April 2002 – Vol. 6, #4)

El pasado lunes 3 de abril de 2012 estuvimos ofreciendo un taller de comics en Parkville School (Guaynabo) a dos grupos de aproximadamente 15 estudiantes cada uno.

La escuela seleccionó a aquellos estudiantes que tenían interés en el dibujo y el arte secuencial, y le ofrecimos un taller relacionado a la creación de un cómic cuya historia girara en torno a un personaje.

Cada estudiante creó su propio personaje a base de las metas las oposiciones de cada uno. Hubo desde roqueros que sueñan con ser famosos hasta robots inservibles e instrumentos musicales que interactúan entre sí. Quedamos sorprendidos por el talento de los jóvenes que estuvieron allí, en especial unas estudiantes que mostraron un dominio del dibujo de aves y caballos voladores.

No nos deja de sorprender la imaginación y el talento que tenemos a nuestro alrededor y esperamos volver pronto para seguir compartiendo la creatividad e innovación de los comics.

Le agradecemos a la Sra. Dina de Pablos, bibliotecaria de Parkville School, por habernos dado la oportunidad de ofrecer la charla y por mantener su biblioteca de ensueño en óptmas condiciones para el beneficio de los estudiantes.

Compartimos el calendario más actualizado del programa de visitas de artistas locales en Metro Comics (San Patricio Plaza, Guaynabo – Puerto Rico), una de las tiendas de comics más conocidas en Puerto Rico y de las pocas que se han mantenido por largos años.

Cabe destacar no sólo la gran presencia de nuestra escena local, incluyendo al estadounidense/boricua Tom Beland, sino la presencia de artistas féminas que cada vez más dicen presente en nuestras producciones puertorriqueñas. Agradecemos a los artistas y a Cristina Morán por organizar este tipo de actividades.

¡Y a los que aún no han pasado, dense la vuelta para que reciban su cómic gratis!

Soda Pop Comics, compuesto por Rosa Colón (ilustradora) y Carla Rodríguez (guionista), es un colectivo artístico que desde 2005 han publicado 29 publicaciones de comics impresos, 15 publicaciones de minicomics, dos webcomics y una historia para niños.

De esa trayectoria se destacan una series de historias relacionadas a la cultura geek (friki) puertorriqueña—en gran parte heredada por nuestra relación con los Estados Unidos—,  seis volúmenes de Soda Pop Anthology (2007-2011), una antología de varias historias creadas por jóvenes artistas mujeres, un libro para niños llamado “Smidge” (2010), a todo color y con una estética deliciosamente colorida, y 15 minicomics, de los que previamente utilizamos como punto de partida hacia un análisis de un formato poco explorado.

Cuando se tiene tal trayectoria, hay que detenerse un instante a analizar, y los trabajos de estas artistas son más que trayectoria.

“Lemonade #1” (Marzo 2009): Cultura geek, Harry Potter, comics, superhéroes, Star Wars; cómic sobre estereotipo de la mujer  y los comics. Soda Pop Comics hace todos sus comics en idioma inglés.

Luchando contra el estereotipo

El colectivo Soda Pop Comics es importante no sólo porque son mujeres haciendo comics: sea cual sea el autor (-a), un buen cómic habla por sí mismo.  Pero, no podemos dejar de un lado que el Cómic se asocia con los hombres, y es porque la historia de este medio—junto con los roles de las mujeres para las diferentes épocas—ha trazado un discurso de género que claramente lo hemos visto abolido desde los 1960 tanto en Estados Unidos como en Japón y varios países de Europa.   Pero en Puerto Rico, los desarrollos culturales no siempre van al son del resto del mundo.

El mundo del cómic puertorriqueño es bien pequeño: lo suficiente como para conocer lo que los artistas comentan entre sí sobre los trabajos de otros artistas.  Con relación a la propuesta de Soda Pop Comics, es más lo que no se oye que lo que se comenta, lo que pauta el sentir de muchos.  ¿Qué crees de los comics de Soda Pop Comics?, y sólo basta la pregunta para ver las caras confundidas, buscando una forma de categorizar y quizás esconder verdades hirientes.

El lema principal de Soda Pop Comics es: “Comics hechos por mujeres, para todo el mundo”.

La propuesta general de Soda Pop Comics se posiciona desde el minimalismo y la cultura geek (los friki, fanáticos de los comics, videojuegos, películas de culto, etc.), con una pinceladas de la cultura japonesa denominada como kawaii, donde lo adorable se explota a través de todos los recursos posibles.  Por otro lado, en series como Zoe’s Blues, H Street y el título Tick Tock ([2005], Rosa Colón), vemos un tratamiento más elaborado, con tendencia al estilo de la novela gráfica y con matices autobiográficos.

En la ejecución del arte de Rosa Colón, quien también es profesora de diseño, resalta de buenas a primeras el uso de color, una estética digital orgánica, efectiva y muy particular entre las ofertas actuales de comics puertorriqueños; cabe destacar estos aspectos ya que es raro lograr estos efectos cuando se trabaja con herramientas digitales: para lograrlo, hay que dominar la teoría y la herramienta de dibujo, y no es algo que aplica a muchos de los comics que se hacen en computadora.

En títulos como Emma (2008) y H Street (2008) se destacan el diseño de escenarios, la alta narrativa gráfica, la diversidad en la caracterizaciones, y el acceso a espacios culturales muy diferentes a la al harto repertorio de los puños, sudores, sangres y secuencias pseudo-manga que muchos comics locales hechos por hombres presentan incansablemente.

Zoe’s Blues, por otro lado, presenta un matiz contemporáneo y creíble en cuanto a la mirada del superhéroe en nuestros tiempos. Zoe, una adolescente hija de una familia de superhéroes, cuestiona su supuesto destino familiar y se debate entre el bien y el mal interno al saber que sus padres eran originalmente villanos.

En H Street, Emma, y $19.95, los personajes principales se cruzan entre sí, como si vivieran en un mismo pueblo.

Detalle de Tick-Tock ([2005]), un guión con varios tratamientos de narrativa gráfica. A esta Scott McCloud le llamaría una transición de viñetas de “Momento a Momento”.

Guión

La concisión, el laconismo y la impresión que causan la memorable y profunda sencillez de las historias es lo que más se destaca de los guiones de Carla Rodríguez.

Detalle de Zoe’s Blues #4.

Bien es cierto que la única serie completada es Zoe’s Blues (2006-2007), pero en conjunto vemos buenos diseños de personajes (Ej. Zoe, la superhéroe adolescente con un pasado que la ha llevado a detestar su supercapacidades), excelente composición y cuidado a los detalles (vestimentas, lenguaje corporal).  Bien pudiéramos recomendar fortalecer las expresiones faciales de los personajes, las cuales narran aspectos íntimos sobre las personalidades de los personajes.

Donde más se puede saborear la efectividad de las historias son en las entregas tipo “one shot” que publicaron en ocasiones especiales como la celebración de Halloween y el Free Comic Book Day.  En estos números se trabajan historias expresionistas, secuencias, eventos, momentos surreales, inocencias, una observación sensible hacia las vivencias que hemos reemplazado en nuestra memoria por almacenar nombres, títulos y datos que nos sirven de nada.

Publicaciones de Soda Pop Comics

Minicomics

Otros:

Smidge: Childrens Book. (Septiembre 2010). Full Color, Tamaño 8.5 x 11, inglés. Trama: Las aventuras de una niña llamada Smidge.

Cupcake Graffiti: A Summer Evening from Work in Motion Studios on Vimeo.

“Silver Surfer: Parable” (1988) es un one-shot (cómic que empieza y termina en el mismo número) escrito por Stan Lee, creador de personajes icónicos de Marvel Comics como Spider-Man, Hulk y Los Cuatro Fantásticos, y dibujado por uno de los artistas franceses más reconocidos en el mundo, Jean Giraud “Moebius”, quien murió el pasado sábado 10 de marzo de 2012.

La aportación de Moebius al mundo del Cómic es vasta y extensa.  Sin que usted lo conozca, basta con observar sus trabajos y se percatará su estilo orgánico, detallado y variado, el cual contribuye visual y emocionalmente al servicio del mensaje de la historia.  Otro aspecto que resalta de su trabajo es el uso de color, que no le envidia nada a los mejores trabajos hechos con tinta negra sobre papel blanco.

A continuación haremos un análisis sencillo de una imagen que verdaderamente me impactó al momento de verla, dado a su carga narrativa visual.

Trama general: Un ambriento Galactus regresa a la Tierra, a pesar de haber jurado no devorársela nunca.  No obstante, se presenta a sí mismo como un dios y trata de motivar la autodestrucción del planeta.  Silver Surfer, quien pensaba haber dejado la raza humana de una vez y por todas, no puede evitar hacer algo al respecto.

Descripción de Escena: Silver Surfer enfrenta frente a frente a Galactus, luego de haber sido liberado de su esclavitud.

Diálogo:

Silver Surfer

¡Galactus!  ¡Estoy aquí!

Galactus

Sabía que vendrías.

Silver Surfer

¿Por qué has roto tu solemne promesa?

Tú juraste nunca volver a atacar a la Tierra.

Análisis

Las ilustraciones de este cómic, en especial esta que analizamos, transmiten una densidad filosófica impresionante, la cual se destila del guión y la historia que se desarrolla en todo el número.

Esta densidad comienza por lo visual:

1)      Encuadre: el encuadre de la viñeta es enorme, espacioso, al cual se integran dos viñetas.

2)      Composición: la fluidez de la viñeta y el posicionamiento de las dos viñetas más pequeñas es adecuada y efectiva para los lectores occidentales, que leemos de izquierda a derecha.  Iniciamos con la pequeña viñeta en la esquina izquierda superior, donde vemos en un encuadre medio la espalda de Silver Surfer: pero la rotulación nos hace ver su verdadera actitud, a pesar de que no vemos su rostro.  Luego la lectura desciende hacia la figura enrome y rojiza de Galactus, la cual nos lleva a una imagen de movimiento de Silver Surfer que me parece el elemento más impresionante de toda la viñeta: el recorrido de Silver Surfer tanto en la viñeta principal como en la viñeta derecha inferior crea una figura en forma de “S” que crea una secuencia temporal un tanto irreal y le añade un matiz psicológico interesante.  Tanto el posicionamiento de las pequeñas viñetas como el de los personajes y los globos de diálogo llevan al lector de forma natural y fluida hacia el orden adecuado, sin necesidad de sobre explicar ni dividir más la viñeta.

3)      Los agentes o personajes: la anatomía del Silver Surfer se desplaza con gracia estética frente a la colorida, llamativa y monumental presencia de Galactus, el devorador de planetas.  El rostro y la postura de Galactus no muestra actitud de conversar, sino que se impone con arrogancia y ambición sobre su entorno.  Silver Surfer cuestiona su deseo para con la Tierra y el conflicto, más allá de las palabras, lo podemos ver con la manera en que se nos presentan estas dos figuras.

4)      Rotulación o “lettering”: la tipografía o forma en la que se dibuja el texto dice mucho sobre el tono emocional y sonoro con el que Silver Surfer se dirige a Galactus: es otro elemento que añade al mensaje de la historia.  La actitud de Silver Surfer es de reclamo, casi como una consciencia gritona.  El texto claramente nos deja ver que Galactus ha roto su promesa y que Silver Surfer no está contento con la situación.

5)      Color y sombras: el cielo anuncia un atardecer, un acecho de algo oscuro y abarcador.  La sombra que cubre la figura de Silver Surfer mientras vuela frente a Galactus connota una ira contenida, una fuerza oscura detrás de su reclamo, la cual danza con el lenguaje corporal del personaje.  El uso de color aviva la situación, añade a las texturas metálicas de los cuerpos de los personajes, y aporta un tono oscuro a la situación: el encuentro de dos titanes.
En cuanto al análisis del texto, es imposible decir que esta viñeta captura todo el sentir de la historia entera, pero definitivamente presenta un catalítico o punto en el que se revela el conflicto y en el que el espectador se pregunta sobre lo que ocurrirá luego.

Y es por esto que los comics son geniales, porque pueden lograr narrativas como estas.

Con relación a la muerte de Moebius, pienso, que cuando muere un artista muere el cuerpo mas no la obra.  Este es el mejor momento para leer a Moebius, para sentir la vitalidad de su trabajo más allá de la mortalidad de su cuerpo.

Nos veremos en la próxima.

Referencia:

-Shayer, J. (2011). 1988 – Silver Surfer: Parable: http://marvel1980s.blogspot.com/2011/01/1988-silver-surfer-parable.html

-Khouri, A. (2011). Moebius on the ‘Monstrous’ role of Comic Book Letterers (Moebius, la rotulación y otros ejemplos de “Silver Surfer: Parable”): http://www.comicsalliance.com/2011/08/17/moebius-comic-book-lettering/

*****Ejercicio de Apreciación #1

*****Ejercicio de Apreciación #2

En este ejemplo de la serie “The Best Years (of my life)”/”Los Mejores Años (de mi vida)”, publicado por el colectivo Xpin-Off en 2011, se demuestra el uso de diálogo, narración (en primera persona), y la narrativa de la imagen en sí misma.

Muchos artistas tienen ideas claras sobre cómo expresar ciertas ideas a través del dibujo, pero a veces encuentran conflictos al momento de contestarse la siguiente pregunta: ¿qué cuento con el texto?  El Cómic se vale de la palabra y la imagen y el gran reto es lograr un equilibrio de ambas para servir a la narración de la historia.

En las pasadas semanas he revisado unas lecturas sobre los usos y funciones de los diálogos en los guiones para largometrajes, y he encontrado tremendas recomendaciones—aplicables para los comics—para conocer en qué momentos es bueno utilizar diálogos o poner a nuestros personajes a hablar.

Definición

El primer paso para entender el diálogo y su función es saber que el diálogo no es lo mismo que la manera en que hablamos en la vida real: sí contiene fragmentos y partes del habla de la vida real, pero el diálogo es el habla editada.  Es organizado y tiene dirección, pero mantiene el estilo del habla de la vida real.  El diálogo no tiene que ser realista, sino creíble. (Trottier, 2010)

El diálogo es cómo escuchamos la mente, naturaleza y sentimientos expresados por los personajes.  (Russin & Missouri Downs, 2003).  Es por esto que debemos hacer un buen diseño de personajes o caracterización.

Componentes básicos

El diálogo, al igual que el habla, se compone de varios elementos:

1. Texto o palabras
2. El subtexto (intención real detrás de las palabras)
3. Gramática y sintaxis
4. Vocabulario (el cual varía entre persona y persona)
5. Acento y/o influencias regionales o extranjeras
6. Jerga (callejera o profesional)
7. Estilo de hablar, ritmo y longitud de las oraciones.

El subtexto es uno de los recursos más complejos e importantes: si se logra dominar, se puede lograr un diálogo que hable más que cualquier explicación que podamos dar.  El subtexto es el significado real detrás de las palabras que decimos.

Cuando nos dirigimos a los demás, sabemos que decir la verdad cruda y sin adornos nos puede meter en problemas.  Por otro lado, cuando deseamos algo (todos nuestros personajes desean algo), buscamos maneras disfrazadas de alcanzarlo, con tal de agradar a la gente, o no desagradar a la gente.

El típico ejemplo es el joven que busca invitar a una chica a salir:

El joven NO diría: “Hey, me gustaría cortejarte con el fin de tener relaciones sexuales contigo en algún punto de esta noche”.

Quizás sí diría: “Hey, esta noche va a estrenar TAL película y me preguntaba si querías verla conmigo, si es que no tienes nada que hacer hoy.  Quizás nos comemos algo antes o algo así”.

Desde la primera página del primer número de la serie “Tony & Gabriel” (Escuela de Artes Plásticas, 2008) los personajes principales muestran mucho de sus personalidades a través de cómo se expresan.  Esta serie educativa va dirigida a un público joven que bien se puede identificar con los personajes.

Reglas de otro para un buen diálogo

*Diseña y conoce bien a tu personaje: de sus deseos y limitaciones sabrás qué diría y haría en diferentes situaciones.

*Concisión: Tanto en los comics como en las películas, un diálogo extenso puede ser perjudicial, en especial si son monólogos.  Pregúntate: ¿Cómo este personaje puede decir todo lo que quiero que diga, pero en pocas palabras y que suene creíble?  Recuerda que te puedes valer de otros recursos narrativos, más allá de la palabra escrita.

*El diálogo mueve la trama y dice mucho de las personalidades de los personajes.

*El diálogo no es sólo lo que se dice, sino cómo lo interpreta el receptor.

*No sobreexpliques: los personajes no deben hablar de lo que ya ellos mismos saben ni de lo que ya hemos visto como espectadores.

Ejemplo:

-Fulano: Me siento triste porque nuestra madre esté en el hospital.

-Mengano: Sí, ese accidente que tuvo anoche la ha dejado en mal estado y no sabemos si sobrevivirá.

*Flashbacks (retrospección): úsalos las veces que quieras, pero sólo si mueve la historia hacia adelante y no antes de que el público tenga algún interés por lo que ocurre en el mismo presente.

Y una vez tenga los diálogos claros, es momento de distribuirlos con balance a través de las viñetas.  No deje de revisar este artículo sobre los usos de los globos de diálogo en los comics.

FUENTES:

Russin, R.U. & Missouri Downs, W. (2003). Dialogue (P.253-292), en Screenplay: Writing the Picture. Los Angeles: Silman-James Press.

Trottier, D. (2010). How to Write a Screenplay: A Primer (P.73-81) en The Screenwriter’s Bible: A Complete Guide to Writing, formatting, and selling your script. Los Angeles: Silman-James Press.

Decir que los comics son literatura resulta una aseveración alejada de la realidad.  Sin embargo, decir que el Cómic tiene elementos de su lenguaje que son apropiados de la literatura resulta mucho más adecuado.

En la historia del cine, los primeros teóricos comparaban y analizaban las imágenes en movimiento utilizando teorías de otros medios, como el teatro y la música.  No obstante, defendían el Cine como un medio particular en sí mismo.  Lo mismo ocurrió con los comics, desde las primeras discusiones a finales de los 1960.

Exploremos brevemente los enlaces entre la literatura y el Cómic.

Similitudes generales

1)      Uso de la palabra escrita como signo lingüístico y semiótica visual.

Mientras el texto en sí forma parte de una narración, la tipografía añade al mensaje a través de una experiencia visual.

-El tono narrativo, el punto de vista: tanto la literatura como el Cómic establecen el ambiente de la historia y se narra desde un punto de vista.

-Los buenos historietistas no son más que buenos escritores: ha quedado claro que no es la historia que se narra, sino cómo se narra.  Todos los medios narrativos tienen buenas y malas publicaciones.

2) Publicaciones en varios soportes (revistas, periódicos, libros)

Teatro (Género Dramático)

1)      Guión y su estructura 

2)      Estructura interna similar: uso de diálogos y monólogos, diseño de escenarios, mímica (lenguaje corporal de los personajes), gesticulación (lenguaje facial de los personajes, vestuario, luminotécnia (en los comics sería el uso de luces y sombras o color en los dibujos).

Poesía (Género Lírico)

1) Géneros y aproximaciones narrativas: así como hay diferentes tipos de poemas (Égloga, Epigrama y Oda), existen diferentes tipos de comics, entre los que podemos encontrar géneros dirigidos a niños como a jóvenes y adultos, sin olvidar los temas culturalmente idiosincráticos de los comics estadounidenses y japoneses, por ejemplo.

2) Prosa y verso: el uso del texto, el cual puede ser la voz narrativa como la voz de un personaje, se acumula en diferentes formas a través de la viñeta, lo cual nos lleva al concepto de “ritmo”.

3) Ritmo: los poemas tienen un ritmo y el uso del texto en las viñetas de un cómic deben basarse en un concepto de ritmo y balance (visual) que no es tan fácil de dominar cuando se tratan de dibujantes principiantes.

4) Todos los recursos de la retórica del lenguaje aplicados al texto y al dibujo: La metáfora (cuando se define un primer elemento con un segundo elemento, cruzando los límites de lo real) puede ser tanto lingüística (uso de texto) como visual (dibujo, imagen).  Lo mismo ocurre con el Hipérbaton, Interrogaciones Retóricas, Apóstrofe, Perífrasis o Circunlocución, Aliteración, Símil, Antítesis, Sinestesia, Anáfora, Onomatopeyas.

Ejemplo tomado del libro “Déjenme Inventar”, de Quino.

Las Onomatopeyas y Quino.

Cuento

1) Similitudes estructurales: el cuento es para la literatura lo que la historieta de algunas páginas es para el Cómic.  La narrativa es tiene poca extensión concentra la atención del lector en una sola impresión y la historia va directo a su finalidad, como una flecha a su blanco.

2) Clases de cuento: antes de los actuales cuentos literarios, existieron los cuentos populares, tradicionales o maravillosos, los cuales se remontan a épocas y pueblos primitivos y, posteriormente, se divulgaron en forma de recopilaciones sistemáticas.  Por otro lado, provocan el nacimiento del denominado cuento infantil.  Los comics comenzaron siendo publicaciones en periódicos y luego (los 1930) se recopilan sistemáticamente a través de lo que hoy conocemos como el “comic book”.  Estos “comic books” iban destinados originalmente para jóvenes lectores.  A través del tiempo, al igual que el cuento, los contenidos de los comics fueron diversificándose en estilo, complejidad y público meta.

*******Lecturas recomendadas:

-Cuentos de amor, de locura y de muerte (Horacio Quiroga): el cómic 

-Microcuento de Luis Ponce Ruíz basado en Superman

Novela

1) Similitudes estructurales: la novela es para la literatura lo que la Novela Gráfica es para el Cómic.  El autor (-es) relata una historia de forma extensa, con un acercamiento estilizado en su forma narrativa y en el tratamiento intelectual.  Se permite divagar en varios subtemas y se imprimen en carpeta blanda o dura para su buen uso personal o en las bibliotecas.

*******Lecturas recomendadas:

-Sembrando la Novela Gráfica en Puerto Rico 

-Adaptación de “Frankestein” a novela gráfica

-Novela literaria con mucho de comics

Ensayo

1) Similitudes estructurales: estructura de inicio-desarrollo-conclusión aplica al guión de un cómic.

El término “ensayo” procede de la obra de Michel Montaigne: Essais de Messire Michel, seigneur de Montaigne (1580). Con el término “Essais” quería decir que su libro exponía experiencias.   Es por esto que el ensayo es un género híbrido, porque une lo personal con lo objetivo.  Hay comics que argumentan y exponen al igual que los ensayos.  Desde los comics autobiográficos de Robert Crumb hasta los comics periodísticos de Joe Sacco; desde los manga hechos como manuales hasta los comics educativos, los artistas siguen una tradición crítica, no importa el medio comunicativo que elijan.

*******Lectura recomendada:

-El Periodismo y los Comics

Decir que “El Cómic es literatura” es asumir que la literatura es mejor que el Cómic o que el Cómic es tan bueno como la literatura.  La realidad es que cada medio narrativo es particular y ofrece una experiencia diferente a cada lector.

Si hay todavía personas, en especial en el ambiente académico, que siguen haciendo alarde su ignorancia en cuanto a la veracidad del Cómic como medio narrativo, es momento de detenerse e informarse.  Primero, no le tengan miedo a la imagen, porque la imagen es sólo uno de los muchos componentes del lenguaje del Cómic.  Segundo, el Cómic no sólo son superhéroes y manga.  Venga, ustedes saben más que eso…¿o no?

Si aún no queda convencido, pulse aquí.

Esta disciplina respetable ha estado clara desde hace mucho tiempo, y a pesar de que la imagen del campo del periodismo se ha desvirtuado gracias a ciertas decisiones empresariales para con los medios televisivos, radiales e impresos, el periodismo sigue cumpliendo una función esencial dentro de nuestra sociedad.

El Cómic, como medio narrativo, se asemeja bastante al periodismo: más de lo que muchos pensamos.  Exploremos las similitudes entre ambos campos a continuación.

Similitudes entre el Arte del Periodismo y el Arte del Cómic

Contrastes entre el Arte del Periodismo y el Arte del Cómic

El periodismo en los comics

En el pasado Primer Congreso sobre Comics y Novelas Gráficas, llevado a cabo en la Universidad de Alcalá de Henares en noviembre de 2011, Diego Matos (periodista y escritor) abundó sobre similitudes más profundas entre el periodismo y los comics en la ponencia titulada “En busca de la verdad: El periodismo se hace cómic”:

1)      El periodismo y los comics están relacionados desde el inicio, puesto que los comics en formato de tirilla se publicaron en los periódicos a inicios de siglo XX con el fin de divertir y entretener al lector.

2)      Muchos buenos historietistas eran periodistas también.

3)      Varios personajes de comics son periodistas: Matos explica que esto se debe al concepto romántico de la profesión y al arquetipo del “truth seeker” o “el que busca la verdad”, un tipo de personaje que solemos ver en muchos comics, películas, obras de teatro, series de televisión y series radiales de antaño.  Dentro de los personajes de comics que son periodistas Matos mencionó los siguientes:

*Clark Kent (Action Comics – 1938, Jerry Siegel y Joe Shuster): identidad humana de       Superman; interesante el caso de Superman ya que se dedica a buscar la verdad,    pero para poder hacerlo tiene que mentir a través del            personaje de Clark Kent.

*Peter Parker (Spider-Man -  1962, Stan Lee y Steve Ditko): fotoperiodista para el “Daily Bugle” e identidad secreta de Spider-Man.

*April O’Neil (Teenage Mutant Ninja Turtles – 1984, Kevin Eastman y Peter Laird):   primero programadora informática, luego reportera.

*Tintín: personaje de Hergé; cabe destacar que Hergé fue un periodista frustrado,  según Diego Matos.

      *Roberto Alcázar (Roberto Alcázar y Pedrín – 1941-1976, Juan Bautista Puerto): primero periodista y luego agente de la Interpol. Profesión: aventurero.

       *Lefranc (Las aventuras de Lefranc – 1954, Jaques Martin)

       *Fantasio (Spirou y Fantasio – 1938, Rob-Vel y varios): de la serie franco-belga   protagonizada por los personajes epónimos.

        *Tribulete (El réporter Tribulete – 1947, Guillermo Cifré): Tribulete, “que en todas partes se mete”.

        *Mary Noticias (Mary Noticias – 1962-1971, Roy Mark y Carme Barbarà)

         *Frank Cappa (Frank Cappa – 1981-1989, Manfred Sommer): basado en Robert Capa.

          *Valentina Rosselli (Valentina – 1965, Guido Crepax)

*Johnny Focus (1974 – Atillio Micheluzzi)

          *Taxi (Alfonso Font)

*Ernie Pike (Héctor Germán Oesterheld y Hugo Pratt): personaje principal de la historieta bélica que lleva el mismo título.

          *Spider Jerusalem (Transmetropolitan, escrita por Warren Ellis)

*Phil Sheldom: periodista que aparece en la serie “Marvels”.

El Cómic-periodismo como género

Existe un género dentro del Cómic y es el de los comics periodísticos.  No es un campo fácil ni muy común, pero existen y han sido muy efectivos ya que combina el atractivo visual del cómic con los datos importantes de un artículo periodístico.

Entre los ejemplos de comics periodísticos tenemos que destacar al artista de cómic alternativo Joe Sacco, autor de títulos como Gorazde: Zona Protegida (2001), El Mediador (2001) y Palestina: en la franja de Gaza (2002).

Otro buen ejemplo de cómic periodístico es “Nakedness and Power”, de Seth Tobocman, Terisa Turner y Leigh Brownhill, que trata sobre cómo unas mujeres africanas utilizaron una supertición relacionada a la desnudez femenina como arma de defensa durante una protesta.

Fuentes:

Acevedo Cruz, M. (2000). Manual para periodistas: conocimientos y principios básicos. Editorial Plaza Mayor: Puerto Rico.

Matos, D. (2011). En busca de la verdad: El periodismo se hace cómic.  Ponencia para el Primer Congreso sobre Comics y Novelas Gráficas. Universidad de Alcalá de Henares: España.